50 künstlerische Stile für KI-Prompts (mit Beispielen)

Das Motiv des Prompts legt fest, was im Bild erscheint. Der Stil legt fest, wie es aussieht — und genau darin liegt der Unterschied zwischen einem generischen Bild und einem, das du wirklich verwenden würdest. In der Praxis verändert der Austausch von zwei Stilwörtern das Ergebnis mehr als das komplette Umschreiben der Szenenbeschreibung.

Dieser Guide versammelt 50 künstlerische Stile nach Familien geordnet, jeweils mit einer Erklärung, was diesen Look ausmacht, und einem fertigen Beispiel-Prompt zum Kopieren. Die Prompts sind auf Englisch, weil alle aktuellen Modelle besser auf englische Stilbegriffe reagieren, selbst wenn du mit ihnen auf Deutsch sprichst. Nutze die deutschen Beschreibungen zur Auswahl und kopiere den englischen Block zum Generieren.

Warum der Stil der entscheidendste Teil des Prompts ist

Bildmodelle haben keinen ästhetischen Geschmack. Wenn du keinen Stil festlegst, fallen sie auf einen statistischen Durchschnitt dessen zurück, was sie im Training gesehen haben — meist eine glänzende digitale Illustration mit diffuser Beleuchtung und gesättigter Farbe, die jeder von Weitem als KI-Bild erkennt. Genau dieses Muster sorgt dafür, dass ein Social-Media-Post ignoriert wird.

Den Stil festzulegen löst drei Probleme auf einmal. Erstens holt es das Bild aus dem Durchschnittsmuster heraus und verankert es in einer konkreten visuellen Referenz. Zweitens sorgt es für Kohärenz in einer Serie: Wenn du zehn Bilder für dieselbe Website generierst, ist der Stil das, was die zehn wie aus einer Familie wirken lässt. Drittens legt es implizit Dutzende technischer Entscheidungen fest — Beleuchtung, Palette, Detailgrad, Textur —, die du sonst einzeln beschreiben müsstest.

Die Anatomie eines Stilbeschreibers

Ein gut geschriebener Stil hat meist vier Ebenen. Nicht jeder Prompt braucht alle vier, aber je mehr Ebenen du füllst, desto weniger improvisiert das Modell:

• Medium — das Material oder die physische Technik: Aquarell, Öl, Tusche, 3D-Render, 35-mm-Fotografie, Holzschnitt.
• Strömung oder Epoche — die ästhetische Richtung: Art Nouveau, Impressionismus, Bauhaus, Retrofuturismus der 70er, Vaporwave.
• Oberfläche — wie sich die Fläche verhält: Filmkorn, Papiertextur, dicker Pinselstrich, flache Farbe, harte Kontur.
• Licht — die am meisten unterschätzte Variable: Gegenlicht, Kerzenlicht, seitliches Softbox-Licht, Golden Hour, reflektiertes Neon.

Ein Prompt mit allen vier Ebenen sieht so aus: Gouache-Illustration (Medium), redaktionelle Ästhetik der 50er (Epoche), mit sichtbarer Pinseltextur und deckender Farbe (Oberfläche), unter diffusem Licht des späten Nachmittags (Licht). Jede Ebene nimmt dem Modell einen Freiheitsgrad, und genau diese Einschränkung macht das Ergebnis vorhersehbar.

Illustrations- und Zeichenstile

Das sind die Strichstile, ursprünglich mit Bleistift, Stift oder digitalem Pinsel gemacht. Sie sind meist die beste Wahl für Charaktere, Maskottchen, Kinderinhalte und alles, was von einer Person gemacht wirken soll.

1. Anime (Shonen)

Der weltweit gefragteste Stil in Bildgeneratoren. Feste Linien, große ausdrucksstarke Augen, Haare mit klar definierten Strähnen und Schattierung in flachen Blöcken statt sanftem Verlauf. Funktioniert am besten, wenn du auch Bildausschnitt und Emotion der Figur beschreibst, denn Anime hängt stark von Pose und Ausdruck ab, um zu wirken.

2. Schwarz-weißer Manga

Die gedruckte Version von Anime: ohne Farbe, mit Volumen durch Schraffur und Screentone (jene Punkttexturen) aufgebaut. Wenn du Screentone nicht explizit anforderst, liefern die meisten Modelle eine langweilige graue Zeichnung. Hervorragend für Erzählpanels und Story-Cover.

3. Westlicher Cartoon

Runde Linien, übertriebene Proportionen und gesättigte Farben — der Look moderner amerikanischer Fernsehanimation. Funktioniert gut für Maskottchen, Blog-Illustrationen und Kinderinhalte, weil er anatomische Fehler verzeiht, die einen realistischen Stil ruinieren würden.

4. Bilderbuch für Kinder

Papiertextur, sanfte Palette und einladende Komposition. Das ist der Stil, der am meisten von Atmosphäre lebt: fordere warmes Licht, entsättigte Farben und unperfekte Linien an, sonst wirkt das Ergebnis wie ein Firmenvektor statt einer Buchseite.

5. Line Art

Nur Kontur, ohne oder mit minimaler Füllung. Perfekt für Icons, Tattoos, Ausmalseiten und alles, was später zu Vektor werden muss. Fordere gleichmäßige Linienstärke und reinen weißen Hintergrund an, um den späteren Freistellungsprozess zu erleichtern.

6. Bleistiftskizze

Grafit auf Papier, mit sichtbaren Konstruktionslinien und verwischten Schattierungen. Vermittelt das Gefühl eines Werks in Entstehung, was sich hervorragend für Storyboards und Konzeptpräsentationen eignet, wo eine zu fertige Ausarbeitung wie eine abgeschlossene Entscheidung wirken würde.

7. Tusche und Schraffur

Schwarze Tinte mit Volumen durch sich kreuzende Linien, im Geist alter Gravuren und wissenschaftlicher Illustrationen des 19. Jahrhunderts. Verleiht jedem Motiv, auch modernen Objekten, Autorität und den Anschein eines historischen Dokuments — der Kontrast ist meist der Effekt selbst.

8. Chibi

Figur mit riesigem Kopf und winzigem Körper, zwischen zwei und drei Kopflängen groß. Es ist ein Proportionsstil, kein Oberflächenstil — kombiniere ihn also mit einem weiteren Deskriptor (Chibi + Aquarell, Chibi + 3D), um den finalen Look festzulegen.

9. Amerikanische Comics

Dicke Kontur, Farbe in Halbtonpunkten, harter Schatten und heroische Komposition aus der Untersicht. Fordere die Rasterpunkte (Halftone Dots) explizit an: sie geben die Signatur eines gedruckten Comic-Hefts statt einer generischen digitalen Zeichnung.

10. Karikatur

Bewusste Übertreibung markanter Züge bei erhaltener Ähnlichkeit. Sag, welches Merkmal übertrieben werden soll (Kinn, Brille, Lächeln) — überlässt du das dem Modell, übertreibt es meist alles gleichzeitig, und das Gesicht verliert seine Identität.

Mal- und Kunststile

Hier liegt der Unterschied im Material: wie sich das Pigment auf der Oberfläche verhält. Das sind Stile, die Gewicht und Raffinesse verleihen, viel genutzt für Cover, Plakate und redaktionelle Illustrationen. Sie profitieren auch am meisten von einer klar definierten Palette — falls du ein Referenzbild hast, kannst du seine Farben extrahieren und die Codes im Prompt angeben.

11. Aquarell

Verdünntes Pigment, blutende Ränder und durchscheinendes Papierweiß. Der Charme liegt in der Unvollkommenheit: fordere Spritzer, Transparenz und Farbverlauf an, sonst liefert das Modell eine zu saubere digitale Malerei, die niemanden überzeugt.

12. Öl auf Leinwand

Dicker Pinselstrich, sichtbare Leinwandtextur und Farbreichtum durch Schichten. Das ist der Stil, der am meisten von gerichtetem Licht profitiert, weil Öl Volumen durch die Art aufbaut, wie die Farbe Licht reflektiert.

13. Impressionismus

Kurze, lockere Pinselstriche, wechselndes natürliches Licht und reine Farbe nebeneinander statt gemischt. Hervorragend für Landschaften, Gärten und Außenszenen; schlecht für alles, was lesbares Detail braucht.

14. Barockes Chiaroscuro

Ein einzelner starker Lichtpunkt, der fast völlige Dunkelheit durchschneidet. Der wirksamste Stil für dramatische Porträts und Stillleben. Fordere die Lichtquelle explizit an (Kerze, Seitenfenster), damit das Modell die Beleuchtung nicht über die ganze Szene verteilt.

15. Art Nouveau

Geschwungene organische Linien, florale Motive, ornamentaler Rahmen und erdige Palette mit Gold. Entstanden aus Plakaten, deshalb funktioniert es besonders gut, wenn du eine Posterkomposition mit dekorativem Bogen hinter dem Motiv anforderst.

16. Ukiyo-e

Japanischer Holzschnitt: schwarze Kontur, flache Farbe, abgeflachte Perspektive und Washi-Papiertextur. Sofort erkennbar und großartig für Landschaften, Wellen, Berge und Szenen mit Textilmuster.

17. Gouache

Deckende Cousine des Aquarells: feste, samtige Farbe ohne Transparenz, im Look redaktioneller Illustration der 50er. Guter Mittelweg zwischen der Lockerheit des Aquarells und der Flächigkeit des Vektors.

18. Surrealismus

Reale Objekte in unmöglichen Beziehungen, mit präzisem fotografischem oder malerischem Finish. Der Trick ist, das Unmögliche konkret zu beschreiben (eine Uhr, die über einen Ast schmilzt) statt einfach nach etwas Surrealem zu fragen — sonst interpretiert das Modell zu allgemein.

19. Abstrakter Expressionismus

Geste, Fleck und Farbe ohne erkennbare Figur. Nützlich für Hintergründe, Cover und Markentexturen. Beschreibe die Bewegung (Spritzer, abgekratzte Schicht, Farbfeld), denn es gibt kein Motiv, an dem sich das Modell festhalten kann.

20. Matte Painting

Realistisch wirkende Panoramakulisse, im Kino genutzt, um unmöglich zu filmende Umgebungen zu schaffen. Der richtige Stil für epische Landschaften mit Maßstab — fordere ein kleines menschliches Element im Bild als Größenreferenz an.

Digitale und 3D-Stile

Am Computer entstandene Stile mit dem Look von Rendering, Spiel oder Animation. Sie sind am zuverlässigsten für Produkt, Interface und technische Inhalte, weil die Modelle Geometrie, Reflexion und Kontaktschatten gut verstehen.

21. Concept Art

Produktionskunst für Spiele und Film: priorisiert klare Formlesbarkeit über schönes Finish. Fordere ein Studienblatt, mehrere Ansichten oder eine Silhouettenpräsentation an, um das wirklich nützliche Format statt einer simplen detaillierten Zeichnung zu erhalten.

22. 3D-Render

Look eines Renderings mit globaler Beleuchtung, physikalisch korrekten Materialien und Schärfentiefe. Der zuverlässigste Stil für Produkt und Verpackung, weil das Modell Reflexion und Kontaktschatten gut versteht.

23. Stilisierte 3D-Animation

Der Look eines animierten Spielfilms: Figuren mit niedlichen Proportionen, weichen Materialien und großzügiger warmer Beleuchtung. Vermeide es, Studios namentlich zu nennen — beschreibe die Merkmale, das Ergebnis wird genauso gut, ohne Markenrisiko.

24. Low Poly

Absichtlich facettierte Geometrie, mit wenigen sichtbaren Polygonen und flacher Farbe pro Fläche. Leicht, elegant und zeitlos für Icons, Spielumgebungen und technische Illustrationen.

25. Isometrisch

Perspektivlose Projektion, alle Linien im 30-Grad-Winkel parallel. Dominiert Infografiken, Spielszenen und SaaS-Produktillustrationen, weil es drei Seiten des Objekts gleichzeitig zeigt.

26. Claymation

Modelliermasse mit Fingerabdrücken, matter Oberfläche und leichter handwerklicher Unvollkommenheit. Der Reiz liegt im Makel: fordere sichtbare Abdrücke und Nähte an, sonst wird das Ergebnis nur ein 3D-Render mit mattem Material.

27. Voxel Art

Dreidimensionale Pixel Art, alles aus Würfeln aufgebaut. Geeignet für Miniaturszenen, Karten und nostalgische Spielumgebungen. Fordere ein explizites Würfelraster an, damit das Modell nicht einfach irgendein Low Poly liefert.

28. 16-Bit-Pixel-Art

Sichtbares Pixelraster, begrenzte Palette und Detail auf sehr wenige Punkte reduziert. Modelle liegen hier oft daneben und liefern nur etwas Pixel-Art-Ähnliches; überprüfe das Endbild immer und passe es bei Bedarf im Editor an.

29. Cel Shading

3D-Rendering mit hartem Blockschatten und schwarzer Kontur, das Zeichentrick imitiert. Viel genutzt in Spielen und im Look dreidimensionalen Animes. Fordere die Kontur explizit an — sie definiert den Stil.

30. Papercraft

Schichten aus ausgeschnittenem Papier, die Tiefe bilden, mit weichem Schatten dazwischen. Eleganter Stil, viel genutzt für redaktionelle Cover und institutionelles Material, und einer der wenigen, die immer sauber genug für direkten kommerziellen Einsatz sind.

Fotografische Stile

Wenn Realismus das Ziel ist, führt der Weg nicht über "realistisches Foto" — sondern darüber, das Foto auf eine bestimmte Weise anzufordern, mit Objektiv, Licht und Situation, wie es ein Fotograf tun würde. Lies auch den Guide zu KI-Prompts für realistische Bilder, um tiefer in dieses Thema einzusteigen.

31. Modeeditorial

Model, kontrolliertes Studiolicht und Magazinkomposition mit bewusstem Leerraum. Fordere die Lichtart (seitliche Softbox, hartes Frontlicht) und das Setting an, denn in der Mode ist das Licht der Stil selbst.

32. Porträt mit Rembrandt-Licht

Klassische Porträtbeleuchtung: ein Lichtdreieck auf der der Quelle gegenüberliegenden Wange. Die effizienteste Anfrage, um ein Gesicht mit Volumen statt der Abflachung durch Frontlicht zu erhalten.

33. Produkt vor unendlichem Hintergrund

Isoliertes Objekt auf nahtloser Fläche, mit Kontaktschatten und kontrolliertem Reflex. Das von den meisten Marktplätzen geforderte Format und das am einfachsten freizustellende.

34. Golden Hour

Niedriges, orangefarbenes Licht der ersten und letzten Tagesstunde, mit langen Schatten und Gegenlicht. Verbessert praktisch jede Außenszene und ist der Lichtdeskriptor mit dem besten Aufwand-Ergebnis-Verhältnis in Prompts.

35. Anamorphotisch-kinematografisch

Breites Format, horizontaler Objektivreflex und filmische Farbgradation. Fordere das Format gleich mit an (2,39:1) — ohne es liefert das Modell ein gewöhnliches Foto mit ins Blaue und Orange gezogener Farbe.

36. Film Noir

Schwarz-Weiß mit extremem Kontrast, Jalousienschatten, Rauch und geneigtem Winkel. Einer der wenigen Stile, bei denen hoher Kontrast das Ergebnis verbessert statt das Bild zu überstrahlen.

37. Analoges 35mm

Filmkorn, Vignette, leicht verschobene Farbe und unperfekter Fokus. Das Gegenmittel zum zu plastischen, zu sauberen Look, der KI-generierte Bilder verrät.

38. Makro

Extreme Annäherung, mit hauchdünner Schärfeebene und Texturdetail, das mit bloßem Auge unsichtbar ist. Großartig für Schmuck, Insekten, Essen und alles, was von vergrößertem Maßstab profitiert.

39. Langzeitbelichtung

Bewegung, die zur Spur wird: Wasser wird zu Nebel, Scheinwerfer werden zu Linien, Wolken werden zu Streifen. Beschreibe, was sich bewegt und was stillsteht, sonst verwischt das Modell die ganze Szene.

40. Drohnenluftaufnahme

Draufsicht mit geometrischem Muster und Maßstab, der nur von oben existiert. Funktioniert sehr gut für Landschaft, Landwirtschaft, Stadt und Küste; fordere den Winkel (senkrecht oder schräg) an, um das Ergebnis zu steuern.

Grafik-, Retro- und Designstile

Stile der visuellen Kommunikation: Plakate, Cover, Markenidentität und Social-Media-Grafiken. Am nützlichsten für alle, die im Marketing arbeiten, weil sie Bilder liefern, die bereits mit Platz für Text entstehen.

41. Flat Design

Einfache geometrische Formen, flache Farbe, ohne Schatten oder realistischen Verlauf. Der Standardstil für Website- und App-Illustration, und der am leichtesten anschließend in Vektor oder Icon umzuwandelnde.

42. Bauhaus

Kreis, Quadrat und Dreieck in Rot, Gelb und Blau, mit serifenloser Typografie und strenger Rasterkomposition. Zeitlos für Plakate, Cover und visuelle Identität.

43. Schweizer Plakatstil

Starres Raster, viel Weißraum, Typografie als Hauptelement und ein einziges starkes Bild. Der eleganteste Designstil überhaupt und einer der von KI am besten reproduzierten.

44. Vaporwave

Rosa-Cyan-Verlauf, perspektivisches Raster, Büste einer klassischen Statue und Computerästhetik der 90er. Nische, aber mit sehr hohem Engagement in sozialen Netzwerken.

45. Cyberpunk-Neon

Regnerische Nachtstadt, im Asphalt reflektierte Neonschilder, Nebel und Gegenlicht. Einer der von aktuellen Modellen am besten beherrschten Stile, weil reichlich Trainingsmaterial existiert.

46. Retrofuturismus der 70er

Die Zukunft, wie sie vor Jahrzehnten vorgestellt wurde: Palette aus verbranntem Orange und Braun, geschwungene Formen, Airbrush und Weltraumoptimismus. Markant genug für einprägsame Bilder.

47. Technische Blaupause

Blauer Hintergrund, weiße Linie, Maße und technische Anmerkungen. Hervorragend, um Produkte, Mechanismen und Prozesse mit dem Anschein eines technischen Dokuments zu erklären.

48. Risographie

Druck in zwei oder drei fluoreszierenden Farben mit absichtlichem Versatz und körniger Textur. Sehr geschätzt bei Covern, Zines und unabhängigen Plakaten.

49. Grafischer Brutalismus

Riesige Typografie, harter Kontrast, absichtlich unbequemes Layout und fehlende Verfeinerung. Erregt Aufmerksamkeit gerade dadurch, dass er die Konventionen guten Designs missachtet.

50. Verchromtes Y2K

Flüssiges Metall, verchromte Blasen, irisierender Verlauf und Objektivglanz — die Jahrtausendwende-Ästhetik, die mit voller Wucht in soziale Netzwerke zurückgekehrt ist.

Welcher Stil für welches Ziel

Falls du nicht weißt, wo du anfangen sollst: Diese Tabelle verbindet das häufigste Ziel mit dem Stil, der meist mit den wenigsten Versuchen zum Ergebnis führt:

Ziel	Empfohlene Stile	Warum
Logo und visuelle Identität	Flat Design, Line Art, Bauhaus	Einfache Formen überstehen die Verkleinerung auf 32 px
Produktfoto	Unendlicher Hintergrund, 3D-Render, Makro	Neutraler Hintergrund erleichtert Freistellung und erfüllt Marktplatz-Vorgaben
YouTube-Thumbnail	Comic, Cyberpunk-Neon, Cartoon	Hoher Kontrast gewinnt bei der kleinen Vorschau
Instagram-Post	Risographie, Gouache, Y2K, Flat Design	Starke Textur und Farbe stoppen den Finger beim Scrollen
Artikel- oder Blog-Cover	Papercraft, isometrisch, Schweizer Plakatstil	Es bleibt negativer Raum für den Titel
Charakter und Maskottchen	Anime, Chibi, stilisierte 3D-Animation	Feste Proportion hilft bei der Konsistenz zwischen Bildern
Landschaft und Kulisse	Matte Painting, Impressionismus, Ukiyo-e	Bauen Maßstab und Atmosphäre ohne viel Detail auf
Lehr- oder Fachmaterial	Blaupause, isometrisch, Tusche	Priorisiert Lesbarkeit der Information über Schönheit
Kinderinhalte	Bilderbuch, Claymation, Cartoon	Weiche Textur und sanfte Palette
Dramatisches Porträt	Chiaroscuro, Film Noir, Rembrandt-Licht	Das gerichtete Licht macht die ganze Arbeit

Wie du zwei Stile kombinierst, ohne dass es zu Brei wird

Das Kombinieren von Stilen ist, wo wirklich originelle Looks entstehen — und auch, wo die meisten Prompts scheitern. Die Regel, die funktioniert, ist einfach: kombiniere unterschiedliche Ebenen, niemals gleiche Ebenen.

Aquarell (Medium) plus Art Nouveau (Strömung) funktioniert, weil es unterschiedliche Ebenen sind: du forderst eine auf eine ästhetische Richtung angewendete Technik an. Aquarell plus Öl funktioniert nicht: das sind zwei Medien, die um denselben Platz konkurrieren, und das Modell wählt eines, mischt schlecht oder liefert etwas Halbherziges ohne Charakter.

Kombinationen, die meist gut funktionieren:

• Medium + Strömung: Tusche mit Cyberpunk-Ästhetik; Gouache mit Schweizer Plakatkomposition.
• Stil + Licht: Cartoon unter Golden-Hour-Licht; Low Poly unter Studiobeleuchtung.
• Stil + Proportion: Chibi mit 3D-Render-Finish; isometrisch mit Risographie-Textur.
• Stil + unwahrscheinliches Material: Cyberpunk-Szene in Papercraft; barockes Porträt in Pixel Art.

Eine praktische Grenze: Zwei Stile kombinieren gut, drei werden schon instabil, vier werden zu Rauschen. Wenn du mehr als zwei brauchst, beschreibst du wahrscheinlich Szenendetails, die woanders im Prompt stehen sollten.

Wie jedes Modell auf Stile reagiert

Derselbe Deskriptor erzeugt nicht bei allen Generatoren dasselbe Ergebnis. Es lohnt sich, die Tendenzen zu kennen, bevor du dem Prompt die Schuld gibst:

Modell	Tendenz bei Stilen	Empfohlene Anpassung
Midjourney	Stilisiert standardmäßig zu stark, beschönigt alles	Stilisierungsparameter reduzieren, wenn Genauigkeit gewünscht ist
Flux	Sehr wörtlich, hervorragend mit Text im Bild	Den Stil mit mehr technischen Adjektiven beschreiben
GPT Image / ChatGPT	Versteht lange konversationelle Anweisungen	Den Stil in Sätzen erklären, nicht als Stichwortliste
Stable Diffusion	Hängt stark vom geladenen Basismodell ab	Negativen Prompt nutzen und den richtigen Checkpoint wählen
Gemini / Nano Banana	Stark bei Bearbeitung und Kontexterhalt	Ein Basisbild generieren und darauf Stilvariationen anfordern

Wenn du ChatGPT oder Gemini als Hauptgenerator nutzt, erklären die Guides wie man ChatGPT zum Bilder erstellen nutzt und wie man Gemini zum Bilder erstellen nutzt die Besonderheiten der beiden im Detail.

Häufige Fehler bei der Nutzung von Stilen in Prompts

Synonyme stapeln. "detailed, hyper detailed, ultra detailed, 8k, masterpiece" zu schreiben, vervielfacht das Detail nicht: es verwässert das Gewicht der Wörter, die wirklich zählen. Ein klarer Deskriptor ist mehr wert als fünf redundante.

Stil und Realismus gleichzeitig verlangen. "Fotorealistisches Aquarell" ist ein Widerspruch, und das Modell löst ihn, indem es zufällig eines von beiden wählt. Entscheide, welches den Ton angibt.

Das Licht vergessen. Der häufigste Fehler. Ohne Lichtangabe wendet das Modell diffuse, neutrale Beleuchtung an, die alles abflacht. Ein Satz zur Lichtquelle verbessert fast jeden Prompt.

Den negativen Prompt ignorieren. Bei Modellen, die ihn akzeptieren, entfernt der negative Prompt die typischen Artefakte jedes Stils. Eine fertige Liste findest du im Artikel zu negativen KI-Prompts.

Den Seed beim Iterieren nicht fixieren. Wenn du Stilvarianten derselben Komposition testen willst, behalte den Seed bei. Wechselst du Seed und Stil gleichzeitig, weißt du nicht, was die Veränderung verursacht hat.

Denken, der Stil löst die Komposition. Stil repariert keinen schlechten Bildausschnitt. Beschreibe weiterhin Winkel, Distanz und was den Rahmen füllt.

Was mit dem Bild nach der Generierung zu tun ist

Das Bild, das aus dem Generator kommt, ist fast nie nutzungsfertig. Ein paar wiederkehrende Anpassungen:

• Dateigröße. Generierte Bilder haben oft mehrere Megabyte, was die Website-Geschwindigkeit senkt. Nutze den Bildkompressor vor der Veröffentlichung.
• Format. Für das Web schlägt WebP fast immer PNG und JPG in der Größe. Der Bildkonverter übernimmt das, und der Guide welches Format verwenden erklärt die Kriterien.
• Abmessung. Jedes Ziel hat seine Größe; nutze den Größenänderer und sieh dir die richtigen Maße für jedes soziale Netzwerk an.
• Hintergrund. Für Logo, Maskottchen oder Produkt liefert der Hintergrundentferner das transparente PNG.
• Schärfe. Fotografische Stile kommen manchmal leicht weich heraus; die Schärfeanpassung stellt die Definition wieder her.
• Pixel Art. Wenn das Ergebnis mit unregelmäßigen Pixeln herauskommt, hilft der Pixelierer, das Raster zu normalisieren.

Checkliste vor dem Generieren

Bevor du auf den Button drückst, prüfe, ob dein Prompt diese sechs Fragen beantwortet:

• Was ist das Medium oder die Technik? (Aquarell, 3D-Render, 35-mm-Fotografie)
• Was ist die Strömung oder Epoche, falls vorhanden? (Art Nouveau, 70er, Bauhaus)
• Woher kommt das Licht und welche Farbe hat es?
• Was ist der Bildausschnitt? (Nahaufnahme, Halbtotale, Panorama, Vogelperspektive)
• Was ist die dominante Palette?
• Was darf nicht erscheinen? (negativer Prompt)

Sind alle sechs beantwortet, steigt die Chance deutlich, es im ersten oder zweiten Versuch zu treffen. Um die vollständige Struktur eines Prompts zu vertiefen, deckt der Guide wie man KI-Prompts für Bilder schreibt die übrigen Teile ab; und wenn du dieselbe Figur über mehrere Bilder im selben Stil beibehalten willst, sieh dir wie man Charakterkonsistenz mit KI erreicht an.

Häufig gestellte Fragen