El tema del prompt define qué aparece en la imagen. El estilo define cómo se ve — y ahí está la diferencia entre una imagen genérica y una imagen que realmente usarías. En la práctica, cambiar dos palabras de estilo modifica más el resultado que reescribir toda la descripción de la escena.
Esta guía reúne 50 estilos artísticos organizados por familia, cada uno con una explicación de lo que caracteriza ese visual y un prompt de ejemplo listo para copiar. Los prompts están en inglés porque todos los modelos actuales responden mejor a términos de estilo en inglés, incluso cuando hablas con ellos en español. Usa las descripciones en español para elegir, y copia el bloque en inglés para generar.
Por qué el estilo es la parte más decisiva del prompt
Los modelos de imagen no tienen gusto estético. Cuando no especificas un estilo, caen en un promedio estadístico de lo que vieron en el entrenamiento — normalmente una ilustración digital brillante, con iluminación difusa y color saturado, que cualquiera reconoce de lejos como imagen de IA. Ese patrón es lo que hace que una publicación en redes pase desapercibida.
Especificar el estilo resuelve tres problemas a la vez. Primero, saca la imagen del patrón promedio y la sitúa en una referencia visual concreta. Segundo, da coherencia a un conjunto: si vas a generar diez imágenes para el mismo sitio, el estilo es lo que hace que las diez parezcan de la misma familia. Tercero, define implícitamente decenas de decisiones técnicas — iluminación, paleta, nivel de detalle, textura — que tendrías que describir una por una.
💡 Consejo: si tienes poco tiempo para ajustar un prompt, invíertelo en el estilo, no en la descripción de la escena. Una escena mal descrita en un estilo fuerte suele rendir más que una escena muy detallada sin dirección visual.
La anatomía de un descriptor de estilo
Un estilo bien escrito suele tener cuatro capas. No todo prompt necesita las cuatro, pero cuantas más capas completes, menos improvisa el modelo:
- Medio — el material o la técnica física: acuarela, óleo, tinta, render 3D, fotografía de 35mm, xilografía.
- Movimiento o período — la corriente estética: art nouveau, impresionismo, Bauhaus, retrofuturismo de los 70, vaporwave.
- Acabado — cómo se comporta la superficie: grano de película, textura de papel, pincelada gruesa, color plano, contorno duro.
- Luz — la variable más subestimada: contraluz, luz de vela, softbox lateral, golden hour, neón reflejado.
Un prompt con las cuatro capas se ve así: ilustración en gouache (medio), estética editorial de los años 50 (período), con textura de pincel visible y color opaco (acabado), bajo luz difusa de fin de tarde (luz). Cada capa elimina un grado de libertad del modelo, y esa eliminación es lo que hace que el resultado sea predecible.
⚠️ Atención: evita pedir imágenes "al estilo de" artistas vivos o estudios de animación identificables. Además del problema ético y de derechos de imagen, varios servicios ya filtran esos nombres y devuelven peores resultados. Describir los atributos técnicos del visual — proporción, sombreado, paleta, material — produce el mismo efecto sin el riesgo. Vale la pena conocer también los derechos de autor de imágenes antes de usar cualquier resultado comercialmente.
Estilos de ilustración y dibujo
Son los estilos de trazo, hechos originalmente con lápiz, pluma o pincel digital. Suelen ser la mejor opción para personajes, mascotas, material infantil y cualquier contenido que necesite parecer hecho por una persona.
1. Anime (shonen)
El estilo más pedido del mundo en generadores de imagen. Líneas firmes, ojos grandes y expresivos, cabello con mechones bien definidos y sombreado en bloques planos en lugar de degradado suave. Funciona mejor cuando también describes el encuadre y la emoción del personaje, porque el anime depende mucho de la pose y la expresión para comunicar.
2. Manga en blanco y negro
La versión impresa del anime: sin color, con volumen construido mediante trama y screentone (esas texturas de puntitos). Si no pides explícitamente el screentone, la mayoría de los modelos entrega un dibujo gris sin gracia. Es excelente para paneles narrativos y portadas de historia.
3. Cartoon occidental
Trazo redondeado, proporciones exageradas y colores saturados — el visual de animación televisiva estadounidense moderna. Rinde bien para mascotas, ilustraciones de blog y material infantil, porque perdona errores anatómicos que arruinarían un estilo realista.
4. Libro ilustrado infantil
Textura de papel, paleta suave y composición acogedora. Es el estilo que más depende de la atmósfera: pide luz cálida, colores desaturados y trazo imperfecto, o el resultado saldrá con aspecto de vector corporativo en vez de página de libro.
5. Line art
Solo contorno, sin relleno o con relleno mínimo. Perfecto para íconos, tatuajes, páginas para colorear y cualquier cosa que necesite convertirse en vector después. Pide grosor de línea uniforme y fondo blanco puro para facilitar el recorte posterior.
6. Boceto a lápiz
Grafito sobre papel, con líneas de construcción visibles y manchas difuminadas. Transmite sensación de trabajo en proceso, lo que funciona muy bien para storyboards y presentaciones de concepto donde un arte demasiado terminado parecería una decisión cerrada.
7. Tinta y trama
Tinta negra con volumen creado por líneas cruzadas, con el espíritu de un grabado antiguo e ilustración científica del siglo XIX. Da autoridad y aire de documento histórico a cualquier tema, incluso objetos modernos — el contraste suele ser el propio efecto.
8. Chibi
Personaje con cabeza enorme y cuerpo diminuto, entre dos y tres cabezas de altura. Es un estilo de proporción, no de acabado, así que combínalo con otro descriptor (chibi + acuarela, chibi + 3D) para definir el visual final.
9. Cómic estadounidense
Contorno grueso, color en puntos de medio tono, sombra dura y composición heroica vista desde abajo. Pide la retícula (halftone dots) explícitamente: es lo que le da la firma de papel de cómic impreso en lugar de dibujo digital genérico.
10. Caricatura
Exageración deliberada de rasgos marcados manteniendo el parecido. Indica qué característica exagerar (mentón, gafas, sonrisa) — si lo dejas a criterio del modelo, suele exagerar todo a la vez y el rostro pierde identidad.
Estilos de pintura y bellas artes
Aquí lo diferencial es la materia: cómo se comporta el pigmento sobre la superficie. Son estilos que dan peso y sofisticación, muy usados en portadas, carteles e ilustraciones editoriales. También son los que más se benefician de una paleta bien definida — si tienes una imagen de referencia, puedes extraer sus colores y citar los códigos en el prompt.
11. Acuarela
Pigmento diluido, bordes que sangran y blanco del papel a la vista. El encanto está en la imperfección: pide salpicaduras, transparencia y fugas de color, o el modelo entrega una pintura digital demasiado limpia que no convence a nadie.
12. Óleo sobre lienzo
Pincelada gruesa, textura de lienzo visible y riqueza de color por capas. Es el estilo que más se beneficia de pedir luz direccional, porque el óleo construye volumen por la forma en que la pintura refleja la luz.
13. Impresionismo
Pinceladas cortas y sueltas, luz natural cambiante y color puro aplicado lado a lado en vez de mezclado. Excelente para paisajes, jardines y escenas al aire libre; malo para cualquier cosa que necesite detalle legible.
14. Claroscuro barroco
Un único foco de luz intensa que corta una oscuridad casi total. Es el estilo más eficaz para retratos dramáticos y bodegones. Pide la fuente de luz explícitamente (vela, ventana lateral) para que el modelo no reparta la iluminación por toda la escena.
15. Art Nouveau
Líneas orgánicas sinuosas, motivos florales, marco ornamental y paleta terrosa con dorado. Nació en carteles, así que funciona excepcionalmente bien cuando pides una composición de póster con arco decorativo detrás del sujeto.
16. Ukiyo-e
Xilografía japonesa: contorno negro, color plano, perspectiva aplanada y textura de papel washi. Reconocible al instante y excelente para paisajes, olas, montañas y escenas con patrón textil.
17. Gouache
Prima opaca de la acuarela: color sólido y aterciopelado, sin transparencia, con apariencia de ilustración editorial de los años 50. Excelente punto medio entre lo suelto de la acuarela y lo plano del vector.
18. Surrealismo
Objetos reales en relaciones imposibles, con acabado fotográfico o pictórico preciso. El truco es describir la imposibilidad de forma concreta (un reloj derritiéndose sobre una rama) en vez de pedir solo algo surrealista — el modelo interpreta de forma genérica.
19. Expresionismo abstracto
Gesto, mancha y color sin figura reconocible. Útil para fondos, portadas y texturas de marca. Describe el movimiento (salpicadura, capa raspada, campo de color) porque no hay un tema al que el modelo pueda aferrarse.
20. Matte painting
Escenario panorámico de apariencia realista usado en cine para crear ambientes imposibles de filmar. Es el estilo correcto cuando quieres un paisaje épico con escala — pide un elemento humano pequeño en el cuadro como referencia de tamaño.
Estilos digitales y 3D
Estilos nacidos en la computadora, con apariencia de renderizado, videojuego o animación. Son los más confiables para producto, interfaz y contenido técnico, porque los modelos entienden bien la geometría, el reflejo y la sombra de contacto.
21. Concept art
Arte de producción para videojuegos y cine: prioriza la claridad de lectura de la forma sobre un acabado bonito. Pide una hoja de estudio, vistas múltiples o presentación de silueta para obtener el formato realmente útil en vez de un simple dibujo detallado.
22. Render 3D
Apariencia de renderizado con iluminación global, materiales físicamente correctos y profundidad de campo. Es el estilo más confiable para producto y empaque, porque el modelo entiende bien el reflejo y la sombra de contacto.
23. Animación 3D estilizada
El visual de largometraje animado: personajes con proporciones tiernas, materiales suaves e iluminación cálida y generosa. Evita citar estudios por nombre — describe los atributos, que el resultado sale igual y sin riesgo de marca registrada.
24. Low poly
Geometría deliberadamente facetada, con pocos polígonos visibles y color plano por cara. Ligero, elegante y atemporal para íconos, escenarios de videojuego e ilustraciones técnicas.
25. Isométrico
Proyección sin perspectiva, con todas las líneas paralelas en un ángulo de 30 grados. Domina infografías, escenarios de videojuego e ilustraciones de producto SaaS porque muestra tres caras del objeto a la vez.
26. Claymation
Plastilina de modelar con marcas de dedos, superficie mate y ligera imperfección artesanal. El atractivo está en el defecto: pide huellas visibles y uniones, o el resultado se convierte en solo un render 3D con material mate.
27. Voxel art
Pixel art en tres dimensiones, todo construido con cubos. Vale para escenas en miniatura, mapas y escenarios nostálgicos de videojuego. Pide una grilla de cubos explícita para que el modelo no entregue un low poly cualquiera.
28. Pixel art 16-bit
Grilla de píxeles visible, paleta limitada y detalle resuelto en muy pocos puntos. Los modelos tienden a fallar aquí, generando algo que solo se parece al pixel art; revisa siempre la imagen final y, si es necesario, ajústala en el editor.
29. Cel shading
Renderizado 3D con sombra en bloques duros y contorno negro, imitando el dibujo animado. Muy usado en videojuegos y en el visual del anime tridimensional. Pide el contorno explícitamente — es lo que define el estilo.
30. Papercraft
Capas de papel recortado que forman profundidad, con sombra suave entre ellas. Estilo elegante, muy usado en portadas editoriales y material institucional, y uno de los pocos que siempre sale lo bastante limpio para uso comercial directo.
Estilos fotográficos
Cuando el objetivo es el realismo, el camino no es pedir "foto realista" — es pedir la foto de una forma específica, citando lente, luz y situación, como haría un fotógrafo. Vale la pena leer también la guía de prompts de IA para crear imágenes realistas para profundizar en este punto.
31. Editorial de moda
Modelo, luz de estudio controlada y composición de revista con espacio vacío deliberado. Pide el tipo de luz (softbox lateral, luz dura frontal) y el escenario, porque en moda la luz es el propio estilo.
32. Retrato con luz Rembrandt
Iluminación clásica de retrato: un triángulo de luz en la mejilla opuesta a la fuente. Es el pedido más eficiente para lograr un rostro con volumen en vez del aplanado que produce la luz frontal.
33. Producto en fondo infinito
Objeto aislado sobre una superficie sin uniones, con sombra de contacto y reflejo controlado. Es el formato exigido por la mayoría de los marketplaces y el más fácil de recortar después.
34. Golden hour
Luz baja y anaranjada de la primera y la última hora del día, con sombras largas y contraluz. Mejora prácticamente cualquier escena exterior y es el descriptor de luz con mejor relación esfuerzo-resultado en prompts.
35. Cinematográfico anamórfico
Proporción ancha, destello horizontal de lente y gradación de color de película. Pide la proporción junto (2.39:1) — sin ella, el modelo entrega una foto común con color virado al azul y naranja.
36. Film noir
Blanco y negro de contraste extremo, sombra de persiana, humo y ángulo inclinado. Uno de los pocos estilos en que pedir alto contraste mejora el resultado en vez de quemar la imagen.
37. Analógico 35mm
Grano de película, viñeta, color ligeramente desplazado y enfoque imperfecto. Es el antídoto contra la apariencia plástica y demasiado limpia que delata una imagen generada por IA.
38. Macro
Acercamiento extremo, con un plano focal finísimo y detalle de textura invisible a simple vista. Excelente para joyas, insectos, comida y cualquier cosa que gane con una escala ampliada.
39. Larga exposición
El movimiento transformado en rastro: el agua se vuelve niebla, los faros se vuelven líneas, las nubes se vuelven franjas. Describe qué se mueve y qué permanece quieto, o el modelo difumina toda la escena.
40. Aérea de dron
Vista desde arriba con patrón geométrico y una escala que solo existe desde las alturas. Funciona muy bien para paisaje, agricultura, ciudad y litoral; pide el ángulo (perpendicular u oblicuo) para controlar el resultado.
Estilos gráficos, retro y de diseño
Estilos de comunicación visual: pósteres, portadas, identidad de marca y piezas para redes sociales. Son los más útiles para quien trabaja en marketing, porque producen imágenes que ya nacen con espacio para texto.
41. Flat design
Formas geométricas simples, color plano, sin sombra ni gradiente realista. Es el estilo estándar de ilustración de sitios web y apps, y el más fácil de convertir en vector o ícono después.
42. Bauhaus
Círculo, cuadrado y triángulo en rojo, amarillo y azul, con tipografía sin serifa y composición rigurosa en grilla. Atemporal para pósteres, portadas e identidad visual.
43. Cartel suizo
Grilla rígida, mucho espacio en blanco, tipografía como elemento principal y una única imagen fuerte. El estilo de diseño más elegante que existe y uno de los que la IA reproduce mejor.
44. Vaporwave
Gradiente rosa y cian, grilla en perspectiva, busto de estatua clásica y estética de computadora de los años 90. De nicho, pero con altísimo engagement en redes sociales.
45. Cyberpunk neón
Ciudad nocturna lluviosa, letrero de neón reflejado en el asfalto, niebla y contraluz. Uno de los estilos mejor resueltos por los modelos actuales, porque hay abundante material de entrenamiento.
46. Retrofuturismo años 70
El futuro tal como se imaginaba décadas atrás: paleta naranja quemado y marrón, formas curvas, aerografía y optimismo espacial. Lo bastante distintivo para generar imágenes memorables.
47. Plano técnico (blueprint)
Fondo azul, línea blanca, cotas y anotaciones de ingeniería. Excelente para explicar productos, mecanismos y procesos con aire de documento técnico.
48. Risografía
Impresión en dos o tres colores fluorescentes con desalineación deliberada y textura granulada. Muy valorado en portadas, fanzines y carteles independientes.
49. Brutalismo gráfico
Tipografía enorme, contraste duro, diseño incómodo a propósito y ausencia de refinamiento. Llama la atención justamente por desobedecer las convenciones del buen diseño.
50. Y2K cromado
Metal líquido, burbujas cromadas, gradiente iridiscente y brillo de lente — la estética del cambio de milenio, que volvió con fuerza en las redes.
Qué estilo usar para cada objetivo
Si no sabes por dónde empezar, esta tabla conecta el objetivo más común con el estilo que suele resolverlo con menos intentos:
| Objetivo | Estilos recomendados | Por qué |
|---|---|---|
| Logo e identidad visual | Flat design, line art, Bauhaus | Las formas simples sobreviven a la reducción a 32 px |
| Foto de producto | Fondo infinito, render 3D, macro | El fondo neutro facilita el recorte y cumple con los marketplaces |
| Miniatura de YouTube | Cómic, cyberpunk neón, cartoon | El alto contraste gana en la miniatura pequeña |
| Publicación para Instagram | Risografía, gouache, Y2K, flat design | La textura y el color fuerte detienen el dedo en el scroll |
| Portada de artículo o blog | Papercraft, isométrico, cartel suizo | Sobra espacio negativo para el título |
| Personaje y mascota | Anime, chibi, animación 3D estilizada | Una proporción definida ayuda a la consistencia entre imágenes |
| Paisaje y escenario | Matte painting, impresionismo, ukiyo-e | Construyen escala y atmósfera sin necesitar detalle |
| Material didáctico o técnico | Blueprint, isométrico, tinta | Prioriza la legibilidad de la información sobre la belleza |
| Contenido infantil | Libro ilustrado, claymation, cartoon | Textura suave y paleta amable |
| Retrato dramático | Claroscuro, film noir, luz Rembrandt | La luz direccional hace todo el trabajo |
Cómo combinar dos estilos sin que se conviertan en una sopa
Combinar estilos es donde nacen los visuales realmente originales — y también donde la mayoría de los prompts fracasan. La regla que funciona es simple: combina capas diferentes, nunca capas iguales.
Acuarela (medio) más art nouveau (movimiento) funciona, porque son capas distintas: estás pidiendo una técnica aplicada a una corriente estética. Acuarela más óleo no funciona: son dos medios compitiendo por el mismo lugar, y el modelo elige uno, los mezcla mal o entrega algo intermedio y sin carácter.
Combinaciones que suelen rendir bien:
- Medio + movimiento: tinta con estética cyberpunk; gouache con composición de cartel suizo.
- Estilo + luz: cartoon bajo luz de golden hour; low poly bajo iluminación de estudio.
- Estilo + proporción: chibi con acabado de render 3D; isométrico con textura de risografía.
- Estilo + material improbable: escena cyberpunk en papercraft; retrato barroco en pixel art.
Un límite práctico: dos estilos combinan bien, tres ya son inestables, cuatro se convierten en ruido. Si necesitas más de dos, probablemente estás describiendo detalles de la escena que deberían estar en otra parte del prompt.
Cómo responde cada modelo a los estilos
El mismo descriptor no produce el mismo resultado en todos los generadores. Vale la pena conocer las tendencias antes de culpar al prompt:
| Modelo | Tendencia con estilos | Ajuste recomendado |
|---|---|---|
| Midjourney | Estiliza demasiado por defecto, embellece todo | Reducir el parámetro de estilización cuando quieras fidelidad |
| Flux | Muy literal, excelente con texto en la imagen | Describir el estilo con más adjetivos técnicos |
| GPT Image / ChatGPT | Entiende instrucciones conversacionales largas | Explicar el estilo en frases, no en lista de palabras clave |
| Stable Diffusion | Depende fuertemente del modelo base cargado | Usar prompt negativo y elegir el checkpoint correcto |
| Gemini / Nano Banana | Fuerte en edición y mantenimiento del contexto | Generar una imagen base y pedir variación de estilo sobre ella |
Si usas ChatGPT o Gemini como generador principal, las guías de cómo usar ChatGPT para crear imágenes y cómo usar Gemini para crear imágenes detallan las particularidades de cada uno.
Errores comunes al usar estilos en prompts
Apilar sinónimos. Escribir "detailed, hyper detailed, ultra detailed, 8k, masterpiece" no multiplica el detalle: diluye el peso de las palabras que realmente importan. Un descriptor claro vale más que cinco redundantes.
Pedir estilo y realismo al mismo tiempo. "Acuarela fotorrealista" es una contradicción, y el modelo lo resuelve eligiendo uno de los dos al azar. Decide cuál de los dos manda.
Olvidar la luz. Es el error más frecuente. Sin indicación de luz, el modelo aplica una iluminación difusa y neutra que aplana todo. Una frase sobre la fuente de luz mejora casi cualquier prompt.
Ignorar el prompt negativo. En modelos que lo aceptan, el negativo es lo que elimina los artefactos típicos de cada estilo. Hay una lista lista para usar en el artículo sobre prompts negativos de IA.
No fijar la semilla al iterar. Si quieres probar variaciones de estilo sobre la misma composición, mantén la seed. Si cambias la seed y el estilo al mismo tiempo, no sabrás qué causó el cambio.
Creer que el estilo resuelve la composición. El estilo no arregla un encuadre malo. Sigue especificando ángulo, distancia y qué ocupa el cuadro.
Qué hacer con la imagen después de generarla
La imagen que sale del generador casi nunca está lista para usar. Algunos ajustes recurrentes:
- Peso del archivo. Las imágenes generadas suelen salir con varios megabytes, lo que reduce la velocidad del sitio. Pásala por el compresor de imágenes antes de publicar.
- Formato. Para web, WebP casi siempre gana a PNG y JPG en tamaño. El conversor de imágenes lo resuelve, y la guía sobre qué formato usar explica los criterios.
- Dimensión. Cada destino tiene su tamaño; usa el redimensionador y consulta las medidas correctas para cada red social.
- Fondo. Para logo, mascota o producto, el eliminador de fondo entrega el PNG transparente.
- Nitidez. Los estilos fotográficos a veces salen ligeramente suaves; el ajuste de nitidez recupera la definición.
- Pixel art. Cuando el resultado sale con píxeles irregulares, el pixelador ayuda a normalizar la grilla.
Checklist antes de generar
Antes de presionar el botón, verifica si tu prompt responde a estas seis preguntas:
- ¿Cuál es el medio o técnica? (acuarela, render 3D, fotografía de 35mm)
- ¿Cuál es el movimiento o período, si lo hay? (art nouveau, años 70, Bauhaus)
- ¿De dónde viene la luz y de qué color es?
- ¿Cuál es el encuadre? (primer plano, plano medio, panorámica, vista desde arriba)
- ¿Cuál es la paleta dominante?
- ¿Qué es lo que no debe aparecer? (prompt negativo)
Si respondes las seis, la probabilidad de acertar en el primer o segundo intento crece mucho. Para profundizar en la estructura completa de un prompt, la guía de cómo escribir prompts de IA para imágenes cubre las demás partes; y si quieres mantener el mismo personaje en varias imágenes con el mismo estilo, mira cómo lograr consistencia de personaje con IA.
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¿Cuál es la diferencia entre medio y estilo en un prompt?
El medio es el material o la técnica con la que se haría la imagen en la vida real: acuarela, óleo, tinta, fotografía, render 3D. El estilo es la corriente estética que organiza ese medio: impresionismo, art nouveau, Bauhaus, cyberpunk. Puedes usar solo uno de los dos, pero el resultado es mucho más predecible cuando ambos aparecen en el prompt, porque cada uno resuelve un conjunto distinto de decisiones visuales.
¿Puedo usar el nombre de un artista en el prompt?
Técnicamente muchos modelos lo aceptan, pero no es recomendable con artistas vivos o estudios activos. Hay cuestiones de derechos de autor e imagen de por medio, varias plataformas ya bloquean esos nombres, y el resultado suele ser peor que describir los atributos técnicos del visual. En lugar de citar un nombre, describe lo que caracteriza ese trabajo: proporción, tipo de sombreado, paleta, textura y acabado. Las obras de dominio público son un caso distinto, pero aun así describir la técnica da más control.
¿Cuántos estilos puedo combinar en un prompt?
Dos combinan bien, siempre que pertenezcan a capas diferentes — por ejemplo un medio (acuarela) con un movimiento (art nouveau). Tres ya producen resultados inestables, y cuatro o más prácticamente garantizan una imagen confusa, porque el modelo intenta cumplir instrucciones que se anulan entre sí. Si sientes la necesidad de listar muchos estilos, generalmente lo que falta no es estilo sino descripción de escena, luz o encuadre.
¿Por qué el mismo prompt de estilo da resultados diferentes en cada IA?
Porque cada modelo fue entrenado con un conjunto de imágenes diferente y aplica su propio posprocesamiento. Midjourney tiende a embellecer y estilizar por defecto; Flux es más literal; los modelos de ChatGPT y Gemini interpretan mejor instrucciones conversacionales largas que listas de palabras clave. El mismo descriptor, por lo tanto, cae en regiones diferentes de cada modelo. El camino es ajustar el prompt según la herramienta, y no esperar una portabilidad perfecta.
¿Cómo mantener el mismo estilo en una serie de imágenes?
Escribe el bloque de estilo una vez, guárdalo y reutilízalo palabra por palabra en todos los prompts de la serie, cambiando solo la descripción de la escena. Si el generador lo permite, fija también la seed y los parámetros. En modelos que aceptan imagen de referencia, usar una imagen ya aprobada como referencia de estilo es el método más confiable. Pequeñas variaciones de redacción, aunque parezcan sinónimas, bastan para desplazar el visual.
¿El estilo debe ir al principio o al final del prompt?
Depende del modelo, pero hay una regla práctica que funciona casi siempre: coloca al principio lo que es innegociable. Si la imagen existe por el estilo — un cartel Bauhaus, por ejemplo — empieza por él. Si el tema es lo esencial y el estilo es acabado, describe primero la escena y cierra con el bloque de estilo. En modelos que dan más peso al inicio del prompt, ese orden marca una diferencia real en el resultado.